Une brève histoire des débuts de la relation entre le son et l’image.

18/03/2021 — Actualités

Lorsqu’on m’a demandé d’écrire pour le blog du festival Ull Nu, j’ai passé beaucoup de temps à réfléchir à ce qui serait un sujet intéressant pour le lecteur et avec lequel je me sentais à l’aise. J’ai finalement décidé d’écrire sur ce que je connais le mieux, la musique et le son, mais du point de vue audiovisuel, plus précisément sur la relation entre le son et l’image. C’est pourquoi, avec cet article, je commence une série qui traitera de ce sujet sous différents angles : historique, créatif, technique, juridique, etc.

Dans ce premier article, j’examinerai comment se sont déroulés les premiers moments de la relation entre le son et l’image dans le domaine audiovisuel.

Depuis le début, l’image et le son vont de pair. En fait, la relation entre l’image et le son est naturelle et c’est ainsi que nous la percevons, comme par exemple avec l’éclair après avoir attendu le tonnerre. C’est pourquoi nous parlons d’audiovisuel, AUDIO et VISUEL, deux éléments qui constituent le binôme essentiel du septième art. C’est pourquoi il y a très peu de productions dans ce domaine qui sont projetées, diffusées ou distribuées sans audio. L’image en mouvement a besoin de l’audio pour acquérir une linéarité temporelle et pour donner un lien aux images séparées par les coupures du montage. Qu’il s’agisse de mots, de conception sonore ou de musique, ils accompagnent, renforcent et complètent l’image. Cela ne signifie pas que le silence ne peut pas être utilisé de manière narrative ou expressive, mais toujours en contraste avec le son qui le précède.

Les discussions sur la relation entre le son et l’image, sur la perception de ceux-ci et sur les différents traitements en fonction du courant esthétique suivi par les cinéastes sont nombreuses et variées. Ce qui est clair, c’est que la combinaison du son et de l’image est ce qui génère l’audiovisuel, mais c’est le traitement et la combinaison de ces deux éléments qui donnent le style et le caractère à l’œuvre. Il faut tenir compte du fait qu’au sein du son pour les audiovisuels, nous devons faire la différence entre les dialogues, les effets sonores et la musique. Cependant, aux débuts du cinéma, ces trois éléments n’étaient pas présents dans les premiers films.

Les premières œuvres créées à la fin du XIXe siècle sont connues aujourd’hui sous le nom de films muets, comme ceux des frères Lumière, et étaient destinées à être présentées en public avec un accompagnement musical et parfois un effet sonore. En ce début du cinéma, la tradition du théâtre, de l’opéra et des poèmes symphoniques a été prise comme référence pour le traitement du son. Souvent, le piano était l’instrument choisi pour accompagner l’image, mais il était également possible de choisir des orgues, de petits ensembles instrumentaux et des orchestres ainsi que des gramophones, qui non seulement accompagnaient l’image mais avaient également pour fonction de masquer le son produit par les bobines de bandes. À l’époque du cinéma muet, la musique était le principal son qui accompagnait l’image, puisque les dialogues et les sons produits par les actions et les objets de la scène ne pouvaient pas être reproduits, ce qui ne veut pas dire qu’ils n’étaient pas présents, précisément l’absence de ceux-ci donne de l’espace à l’imagination pour remplir automatiquement ce que le manque de son ne peut couvrir. La musique était traitée de différentes manières, parfois elle était improvisée, d’autres fois ils choisissaient des œuvres d’auteurs romantiques connus comme Beethoven ou Mendelssohn et les adaptaient, d’autres fois c’était de la musique originale d’auteurs comme Camile Saint-Saëns et comme je l’ai dit, à certaines occasions on utilisait de la musique enregistrée. Lorsque la musique était en direct, j’essayais parfois de faire en sorte que les interprètes produisent des effets qui renforcent l’image, de sorte que l’orgue, comme le Wurlitzer, ou les ensembles instrumentaux étaient souvent choisis pour répondre à ce besoin. Dans tous les cas, il s’agissait toujours de musique de scène, c’est-à-dire de musique extérieure à la scène dans laquelle se déroule l’action. Peu à peu, la musique créée expressément à cette fin a pris de l’importance, et en 1915, l’augmentation de ce type de production était significative. Une œuvre pertinente dans ce sens est La naissance d’une nation, avec une musique de Joseph Carl Breil, qui sera l’auteur de beaucoup d’autres BSO et est considéré comme l’un des premiers professionnels dans ce domaine. Cependant, je suis obligé de dire que c’est un film qui a été produit avec l’intention de réécrire l’histoire de la guerre civile aux États-Unis, de dire que l’esclavage n’avait pas été si mauvais, ouvertement raciste et justifiant la suprématie blanche, bref, un exemple de la façon d’utiliser l’art pour faire de la propagande et créer des discours qui affectent la société ; mais cela, je le traiterai dans un autre article. Nous continuons …
En ce qui concerne la musique enregistrée, outre l’utilisation des gramophones, le photoplay, un piano mécanique qui fonctionnait avec des rouleaux de papier perforé et qui nécessitait un technicien qui chargeait les rouleaux et pouvait jouer de certains instruments de percussion et des effets sonores que l’instrument incorporait, est devenu populaire.

Les premières tentatives de synchronisation entre l’image et le son ont commencé à être faites à cette époque et dans certains genres cinématographiques tels que l’horreur, la science-fiction et les dessins animés, les effets sonores ont commencé à prendre de l’importance. La création du son est arrivée au cinéma par la main des monteurs et des éditeurs qui voulaient mettre en valeur des moments spécifiques qui n’avaient pas de son direct.
Quant aux dialogues, on a eu recours pendant un temps au narrateur, mais cette figure a rapidement disparu avec l’apparition de ce qu’on appelle les intertitres, des textes filmés qui s’intercalent entre les images et les complètent avec les dialogues et les pensées des personnages. Ce n’est que plus tard que l’enregistrement des dialogues permettra leur reproduction sonore.

Avec l’incorporation de l’électricité dans les systèmes d’enregistrement et de reproduction du son, l’approche du son au cinéma a changé. En 1925, on commence à commercialiser le tourne-disque, qui intègre de nombreuses améliorations dans le domaine technique et la qualité du son, et toute cette technologie a servi à révolutionner le secteur. Le 6 octobre 1927, avec le chant du Jazz, l’ère du film sonore commence. Ce film est considéré comme le premier long métrage de l’histoire du cinéma parlant. Jusqu’alors, la synchronisation des dialogues avec l’image n’était pas correcte et fiable, et il n’avait pas été possible d’obtenir un résultat satisfaisant pour normaliser ce type de cinéma, bien que les premiers échantillons de film sonore aient été réalisés à Paris en 1900. Par conséquent, tant que la technologie ne permettait pas une synchronisation fiable et une fidélité du son dans les enregistrements, le changement ne s’est pas produit.

Avec le film « Le chanteur de jazz », l’industrie cinématographique mondiale a commencé à se transformer en ce qui allait devenir la nouvelle forme de production. A partir de ce moment, le passage au film sonore était inévitable. En 1929, de nombreux films sonores ont été produits dans le monde entier. Le premier film sonore en Europe était Ich küsse Ihre Hand, Madame, en Espagne le premier film était El misterio de la puerta del sol et un peu plus tard Fútbol, amor y toros, au Japon deux films ont été réalisés la même année, Taii no Musume et Furusato, et ainsi une longue liste qui s’allongerait.

Un autre bon exemple de relation entre le son et l’image est le film King Kong (1933), réalisé par Merian C. Cooper et Ernest avec une musique de Max Steiner, une autre grande référence du BSO, et avec un design sonore très travaillé. Bien que dans les crédits, personne n’apparaisse en tant que concepteur sonore dans cette œuvre, on peut voir un grand travail dans ce sens. La personne chargée de réaliser tous ces travaux était Murray Spivack, qui a mis au point plusieurs techniques d’enregistrement et de mixage pour obtenir le rugissement de King Kong, la voix d’amour de la bête dans les scènes avec le personnage de Fay Wray, les sons lorsqu’il se frappe la poitrine et le combat avec le dinosaure. Il a également veillé à ce que tous les sons soient bien synchronisés avec la musique, faisant de ce film l’une des premières grandes références en matière de conception sonore.

Le film sonore a déclenché une révolution esthétique, technique et conceptuelle qui se poursuit encore aujourd’hui. De nombreux défis ont dû être relevés, comme l’enregistrement sur le plateau et en extérieur, le bruit des équipements, les systèmes de mixage et de doublage, la conception sonore, la couleur, l’approche de la musique, et un long etcetera que j’aborderai dans les articles suivants.

L’industrie cinématographique a subi des transformations et a été étroitement liée à l’évolution technique pour son amélioration qualitative, mais en même temps la technique a permis de nouvelles approches esthétiques et nous voyons une fois de plus comment l’art et la science vont de pair pour évoluer et se compléter comme l’image et le son pour réaliser ce qu’on appelle le septième art.

Enfin, en guise de réflexion, je terminerai par un aphorisme que j’ai trouvé intéressant :

« Le cinéma sonore a apporté le silence » Robert Bresson.

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